February 22, 2018

Review Category : Críticas

Crítica: TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN

Al terminar la función de TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN, me quedé con varias ideas en la cabeza.

La principal cuestión que me atormentaba era que la gente no iba a entender la película como pieza de arte e iban a comenzar una absurda lucha contra los juicios morales de los personajes ficticios. Y efectivamente, no ha faltado gente que ha salido de las cuevas ciberneticas conocidas como redes sociales para alzarse contra la “rápida redención” de un personaje tan complejo como el de Sam Rockwell.

Creo que en la época en la que vivimos, seres tan complicados y difíciles como los que crea Martin McDonagh (director y guionista) no son bienvenidos por la audiencia… y que equivocada esta esa gente. Desde el primer segundo estamos en un mundo con personajes grises, heroínas que llegan a extremos y rufianes con trasfondo.

Pero vamos al principio.

La trama de TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN no es sencilla. Una mujer enfrentando la indiferencia de la policía ante una violación y asesinato es tan cercana a la realidad peruana que nos reta como espectadores al negarnos la idea de la redención e incluso la empatía. Frances McDormand es una madre que busca justicia pero tambien es una persona capaz de pegarle en los genitales a un adolescente porque sí, porque es un humano real y el mal cine ha acostumbrado a los arquetipos irreales.

McDormand, sobre todo, refleja perfectamente el dolor. Tal vez, con la misma maestría con la que se veía en MANCHESTER FRENTE AL MAR. Me quedo con la escena de la madre hablando sola con ella misma, riéndose, buscando alegría solamente en la intimidad de un cuarto solitario.

Probablemente esa ambigüedad es más fuerte en los roles que clasifican como negativos y en los que más aplausos están recibiendo. Rockwell está glorioso como un policía racista, esos que vemos en los videos virales compartidos con indignación en twitter pero también es el hijo y también es un idiota, abiertamente. Es una mala persona pero también es ridiculamente torpe, golpeado por la vida.

Pero lo de Woody Harrelson es para sacarse el sombrero veraniego y arrodillarse a rendir respeto. Además de dar las lineas más memorables del cine reciente, es el eje más cercano para plasmar la resignación que inunda la pantalla con crudeza y una solemnidad cotidiana. Para los que se preguntan la frase a la que hago  mención, es un golpe a la corrección política que revela que por más que acabes con los policías racistas, al final igual te quedarán los homófobicos. 

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN está llena de ira pero no es un drama pesado porque está cargada con un humor negro que aterriza todo en una tragicomedia con demasiados matices y con un final agridulce. Un desenlace en el que las cosas no terminarán bien por más que las sonrisas nos acompañen.

Una sátira realista, si hay que combinar dos palabras que no siempre van juntas pero que  Martin McDonagh fuerza a convivir con maestría, con una de las mejores direcciones de actores vista en tiempo reciente.  Un director que, desde IN BRUGES y SIETE PSICÓPATAS, no deja de crecer.

 

Valoración: ★★★★

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COLECCIÓN MARVEL: WOLVERINE en Tierra Uno

Los fanáticos peruanos del mutante más famoso estarán felices. Para celebrar la nominación al Oscar por Mejor Guión Adaptado que ha recibido LOGAN, TIERRA UNO trae una colección dedicada a la tormentosa historia de Wolverine y que debes tener en tus manos.

 

OLD MAN LOGAN

Para muchos, esta historia puede ponerse a la altura de otro escenario futurista y distópico tan grande como THE DARK KNIGHT RETURNS de la Distinguida Competencia. Mark Millar es un autor que es conocido por llevar a los personajes al extremo y en esta ocasión lleva a Logan a un mundo en el que todo está perdido.

A pesar de sentirse acelerada por momentos, el relato cuenta lo suficiente y se reserva detalles que seguramente han sido explotados a posteriori pero que no son necesarios en un texto que bebe mucho del misterio y el desconcierto. OLD MAN LOGAN se alimenta también del western y de clásicos cinematográficos como MAD MAX porque Millar jamás disimula que apunta a que su trabajo sea adaptado al cine.

Y aunque la última película no adapta la trama de forma literal, si coge el espíritu y la desesperanza que reina en las páginas de este clásico moderno que sirvió para definir a Logan ante todos los autores que llegaron luego.

 

ORIGEN 

Uno asume que todos los personajes necesitan un origen pero con Wolverine estuvimos a la deriva por mucho tiempo en ese aspecto. Algunos se atrevían a rozar esa zona pero fueron finalmente Paul Jenkins y Andy Kubert los que se sumergieron con éxito en ese terreno inexplorado.

Lleno de simbolismo (no muy camuflado pero simbolismo al fin y al cabo) y con salidas no tan obvias, el autor intenta explicar los detalles que convierten a Wolverine en una de las figuras más letales de Marvel. Sin caer en dramatismo endulcorado, en ORIGEN se traza la complejidad y el dolor en cuotas necesarias para moldear a un personaje tan difícil con el pulso correcto apelando a la moral de una sociedad en la que ya no vivimos.

ARMA X 

Barry Windsor-Smith crea una de las piezas más interesantes de la colección porque, al menos para mí, es la pieza más personal de este conjunto. El hecho que Windsor-Smith tenga el privilegio de escribir y dibujar su visión ayuda mucho en crear una visión tan solida sobre un punto de inflexión del mutante canadiense.

Sí, la historia es lenta y se toma su tiempo para arrancar pero esa construcción es vital para plantear las bases de una historia que necesita mucho contexto para ser más que violencia y sangre. Algo en lo que pueden cojear las dos sagas mencionadas anteriormente.

ARMA X se siente diferente porque sus elementos, sobre todo el dibujo y la distribución de las viñetas es muy personal y ya no se trabaja de esa forma en el cómic más comercial. Por eso es la parte más importante de esta conjunto de cómics y el punto final para recomendar estas tres etapas fundamentales en la vida de Wolverine.

Los interesados en adquirir esta colección pueden visitar TIERRA UNO  en su local ubicado en el segundo piso del Centro Comercial Arenales, tienda 301, Lince.

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Crítica: THE CLOVERFIELD PARADOX

Lo único por lo que recordaremos a THE CLOVERFIELD PARADOX en un par de años  será por  su estreno sorpresivo vía streaming porque el film mismo no es más que una olvidable secuela llena de clichés. Curiosamente, como esas que se lanzaban directamente al mercado casero en los 80’s y 90’s.

El arranque de esta cinta sobre astronautas en plena misión por encontrar una fuente de energía alternativa es prometedor, situando las claves de la paradoja y los mundos paralelos que abrían grandes posibilidades que nunca se terminan cumpliendo.

En su lugar, el director coge a un elenco realmente interesante y los somete a los más absurdos trucos del cine de terror-espacial barato repitiendo muertes tan poco memorables como las de ALIEN COVENANT o, salvando las distancias, KONG: SKULL ISLAND.

De esa forma, se desperdicia a actores de la talla de Daniel Brühl, David Oyelowo y Gugu Mbatha-Raw. Incluso se da el lujo de no sacarle el jugo a secundarios que suelen levantar el nivel de los proyectos en los que se involucran como es el caso de Chris O’Dowd o John Ortiz.

Julius Onah – director de esta “apuesta” – merece un premio por sumar tantos momentos absurdos que intenta camuflar bajo el concepto de “esta dimensión nos está comiendo vivos”, la ciencia ficción más torpe y una conexión innecesaria con la franquicia CLOVERFIELD. Recordemos que este proyecto nació como una idea independiente llamada GOD PARTICLE y que se modificó para encajar con este universo.

Onah merece otro reconocimiento por filmar todos esos delirios de la forma más aburrida posible ya que ni siquiera resulta ser casualmente divertida. ¿Cómo es posible que un filme que incluye una mano que se mueve sola y monstruos gigantes (al final, al menos) se sienta tan larga?

THE CLOVERFIELD PARADOX es un producto hecho para los fans que hacen teorías en internet y funciona de esa forma, por lo visto. Si esperan una buena película o al menos un ejercicio consistente de cinematografia, es mejor seguir esperando a otra novedad que ofrezca Netflix.

Valoración: ★

 

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Crítica: THE DISASTER ARTIST

Seth Rogen, actor y productor de THE DISASTER ARTIST, comentaba – y estoy parafraseando –  en una entrevista que la famosa THE ROOM no es simplemente una mala película: Hay miles de malas películas dando vueltas y nadie haría una tributo tan sentido sobre ellas.

Es inevitable entender su postura porque no me imagino a nadie haciendo una oda sobre el proceso creativo detrás de TRANSFORMERS 5 o ASU MARE, por lo que algo especial debió motivar al polémico  James Franco a moldear este proyecto que dirige, produce y protagoniza sobre la historia real de la producción de THE ROOM, cinta que ha ganado un estatus de culto por su poca calidad.

No es difícil procesar la fascinación que tiene Franco por la figura de Tommy Wiseau, absurdo visionario acreditado como el creador de la mejor-peor película de la historia. Basta con revisar la extraña filmografía del actor y sus curiosos pasatiempos fuera de cámara para encontrar algunos puntos en común y descifrar su pasión hacia un cineasta sin talento pero con personalidad.

Franco traslada ese sentimiento y lo refleja en la pantalla como una pasión orientada no al cine como dicen las críticas más entusiastas o como sucede en ED WOOD, el filme que le puso la valla muy alta a todos aquellos que se atrevan a explorar el amor (no correspondido) hacia el séptimo arte usando el mismísimo cine. No, la pasión de THE DISASTER ARTIST es egocéntrica  mientras que la pasión de James Franco hacia la figura de Wiseau es superficial. Es arrechura antes que amor o respeto.

La cinta es entretenida de forma innegable y crea personajes entrañables con casi todos sus secundarios, convirtiéndose en una dramedia con el tacto suficiente para redimir a la larga a un ente tan indescriptible como Wiseau sin quitarle la etiqueta de patán… pero lamentablemente no va más allá.

No veo las claves para justificar el fenómeno y el culto que ha creado THE ROOM aunque si veo a Franco reflejándose totalmente en su trabajo actoral pero poniéndose siempre por delante de la historia con una interpretación incontrolable. Opacando a todo ser viviente con el que comparte escenas.

De esa forma, no entiendo el propósito del filme a pesar de que, con lo poco que ofrece, se puede disfrutar. Veo la sucesión de momentos evidentes en los que todos subrayan en voz alta que THE ROOM es un desastre pero no encuentro el punto de vista del narrador, no siento la voz del autor ante el tema. La fórmula es predecible pero mantiene un ritmo difícil de criticar.

THE DISASTER ARTIST no es la oda al cine que se vendía en la temporada de premios pero sí es un ejemplo de la construcción de personajes detestables con un final feliz. Un vehículo para el lucimiento de James Franco y una cinta cuyo legado será  recordarnos con mucha gracia pero poco afecto lo torpe que fue el paso de Tommy Wiseau por nuestro planeta.

Al final, parece que Franco encontró un articulo de internet llamado “10 COSAS QUE NO SABIAS DE THE ROOM” y decidió hacer una nota sobre eso. No sobre THE ROOM, solamente sobre esas curiosidades que emocionan a los seguidores del culto.

Valoración: ★★

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Crítica televisiva: HANG THE DJ (BLACK MIRROR)

No podía quedarme con las ganas de hablar de la nueva temporada de BLACK MIRROR, que algunos están reduciendo como “la peor temporada” y otras frases que no merecen una discusión coherente. Para eso he elegido el episodio que, para sorpresa mía, me dejó con una felicidad ajena a la experiencia de esta serie.

HANG THE DJ nos dice que el amor, incluso en un mundo lleno de aplicaciones y estadísticas, no se trata de compatibilidad. Uno se enamora de los momentos absurdos y de las risas nerviosas, de las torpezas y  de todos los detalles extraños de la otra persona. Pero también nos recuerda que uno debe enamorarse también del pasado y de los errores porque el amor es un salto hacia lo desconocido y con los ojos cerrados. Por eso, no debe esconderse en los closets o debajo de las camas, debe gritarse en una rebelión contra las expectativas del mundo.

El amor no es un tema nuevo en BLACK MIRROR pero nunca se había tocado con tanto optimismo. En THE ENTIRE HISTORY OF YOU la mirada era mucho más cruda, dejando en claro que los celos pueden venir de algo real y no por eso dejan de ser destructivos.  Aunque no puedo dejar de citar la perspectiva positiva de Óscar Salas, panelista del Flimcast: “Una relación de pareja no puede ser perfecta, la confianza se basa en los vacíos que completas con esperanza y no en la certeza de los miedos”.

Tim Van Patten (director veterano de la pantalla chica a cargo de este episodio) y Charlie Brooker (mente detrás de casi todos los episodios de BLACK MIRROR) ahora nos dan una nueva perspectiva lo suficientemente alegre y concreta para sostener un mundo que para muchos parecerá demasiado obvio. Es verdad, esta vez no se esfuerzan en nada por esconder “el gran giro final” pero… ¿Ese es el motivo por el que ven Black Mirror? ¿Realmente creen que la serie solamente es una sorpresa durante los últimos minutos?

La realidad a la que nos transporta, aunque con los hilos muy a la vista, es perfecta para ver más allá de la superficialidad de la crítica hacia Tinder e ir al fondo de un análisis sobre las relaciones humanas. Desde la sensación de vivir en una simulación constante, la “soledad” de la soltería y el aburrimiento del romance en el que no hay sentimientos que no sean físicos.

Creo que decir más es spoilear uno de los capítulos más hermosos de una serie caracterizada por dejar una mala sensación en el cuerpo, dentro de una temporada que asume riesgos creativos para no encasillarse en la paranoia tecnología que algunos limitados le adjudican. Me permito robarme la letra de una canción que se ha vuelto recurrente en BLACK MIRROR para cerrar este comentario:

Cualquiera que sepa lo que es el amor…entenderá”

 

 

 

 

 

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Crítica: EL GRAN SHOWMAN

EL GRAN SHOWMAN es el ejemplo perfecto de una película que se sostiene únicamente en el carisma de su protagonista, lo que no es poca cosa cuando el protagonista es nada más y nada menos del talentoso y magnetico Hugh Jackman.

Estamos ante los “hechos reales” de Phineas Taylor Barnum, el mítico fundador de Barnum & Bailey Circus, que llegó a ser conocido como ‘el mayor espectáculo del mundo’ y que revolucionó el show bussiness norteamericano.

Nadie puede negar que estamos ante un filme “bonito” pero muchas veces no va más allá de eso. Desde el principio propone el cliché edulcorado del niño pobre enamorándose de una niña rica, ofreciéndole una vía de escape a su mundo frívolo. Una historia que podría ser válida todavía si es que se contara con más intenciones.

Después no se aleja de eso. El mensaje a favor de la igualdad es tan superficial y mal ubicado como las canciones, bien compuestas e innegablemente pegajosas pero que aparecen de la nada. Kiara Rebaza, actriz y amiga que visitó recientemente el Podcast Infinito, explicaba que en un musical un personaje debe empezar a cantar porque, en su realidad y contexto, las emociones que tiene no pueden reducirse a las palabras en un diálogo. Eso no se siente para nada en EL GRAN SHOWMAN: una situación plana genera una canción exageradamente alegre o triste sin ninguna relación tangible.

 

 

Llega un punto en el que la belleza del espectáculo se desborda y uno se siente como el crítico amargado que aparece dentro de la película pero el director Michael Gracey se esfuerza en irse en YOLO, como dirían los jóvenes de ahora. Es decir, lanza toda la excentricidad de la forma más exagerada posible incluso para una cinta sobre “fenómenos de circo”… llegando al punto de tener a Hugh Jackman montando un elefante en mitad de la Nueva York de hace dos siglos.

Si algo hay que reconocer es que los personajes del circo y los secundarios en general son, a su manera, entrañables. Gracey se las arregla para que podamos empatizar con las personalidades del freak show y hasta con un Zac Efron más contenido que en otras oportunidades. Eso sí, el cineasta no dudo en reducir por completo el drama de los marginados a favor de la magia inventada para este relato porque basta revisar un par de publicaciones para descubrir que P.T. Barnum no era el bailarín soñador que pintan en este guion.

EL GRAN SHOWMAN es perfecta para desconectar el cerebro y abrir los ojos durante casi dos horas. Lamentablemente, pudo ser más y se nota la falta de coraje para arriesgarse a crear algo trascendente en una época  de productos para el consumo veloz y  el olvido.

Valoración: ★★

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MI NUEVA YO: Reese Whiterspoon regresa a la pantalla grande

Inicia el año con una comedia romántica. El 4 de enero se estrenará en salas peruanas MI NUEVA YO, una película que busca hacernos suspirar y soñar con una reconciliación de pareja.

Alice (Witherspoon), es una madre soltera de Los Ángeles, recientemente separada, cuya vida toma un giro inesperado cuando acogerá a tres chicos jóvenes en su casa como inquilinos.

Durante una noche de fiesta celebrando su cumpleaños número 40, Alice conocerá a tres jóvenes aspirantes a cineastas que buscan un lugar donde vivir. Ella decide ayudarlos y les ofrece, de manera temporal, hospedaje en su casa pero el trato con ellos se desarrollará en maneras inesperadas.

La nueva familia y el nuevo romance de Alice se toparán con un obstáculo cuando su ex-esposo aparezca de nuevo.

Mira el trailer oficial:

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Las mejores películas del 2017

Se acaba el 2017 y es hora de hacer una lista de las mejores películas que vi durante el año que se va. Como todas las listas, las posiciones y elecciones son subjetivas así que si no estás de acuerdo con lo que lees puedes compartir con nosotros tus alternativas.

Es necesario destacar que he seleccionado filmes vistos durante este año de forma legal. Es decir: estrenos comerciales, proyecciones en festivales, servicios de streaming o formatos caseros como el Blu-Ray. No, no valen peliculas vistas en torrentso dvds piratas porque, si amamos el cine tanto como lo hacemos, hay que promover su consumo legal lo máximo posible.

¿Listos?

¡Comenzamos!

 

Menciones honrosas: 

  • Loving Vincent ( Dorota Kobiela, Hugh Welchman)
  • It (Andrés Muschietti)
  • Okja (Bong Joon-ho)
  • El Seductor (Sofia Coppola)
  • La Morgue (André Øvredal)
  • Crudo (Julia Ducournau)
  • Personal Shopper (Olivier Assayas)
  • Wonder Woman (Patty Jenkins)

12. Colossal (Nacho Vigalondo)

11. La Región Salvaje (Amat Escalante)

10. La La Land (Damien Chazelle)

9.  ¡Madre! (Darren Aronofsky)

8. El Planeta de los Simios: La Guerra (Matt Reeves)

7. Manchester frente al mar (Kenneth Lonergan)

6.  La Llegada (Denis Villeneuve)

5. ¡Huye! (Jordan Peele)

4. Coco (Lee Unkrich)

3.  Logan (James Mangold)

2. Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve)

1. Silencio (Martin Scorcese)

 

 

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Crítica: LOVING VINCENT

En el camino a la función de prensa, me entero que LOVING VINCENT estaba nominada como Mejor Película Animada en los Globos de Oro. Eso solamente agregaba un poco más de presión para una cinta que, para mí, arrancaba desde el primer minuto con demasiadas expectativas.

Más allá de la experiencia de los directores, que vienen de la realización de cortos , el gran atractivo es la colaboración entre 125 artistas en 7 años de trabajo para crear un óleo viviente que enfatiza el “arte” en la frase “séptimo arte”.

Entonces, no es una exageración decir que LOVING VINCENT es una experiencia que te deja con la boca abierta durante casi todo su metraje y se convierte en la cinta “más bonita del año” sin mucha discusión. Presumiendo de ese encanto que necesita verse en una pantalla grande.

Me sorprendió gratamente que los artistas no se limitaran al tributo más plano hacia la figura de Vincent Van Gogh, o sea, al copy paste con cero aporte o nulo cariño al material original. La personalidad del pintor holandés es notoria en cada plano pero los trazos y las formas están adaptadas al movimiento y sobre todo a los gestos de los actores que prestan sus voces.

Puede sonar a un comentario negativo pero el aspecto visual del filme siempre está por encima del guion y de la historia en general. No es que el relato se sienta largo o estirado pero sin duda hay una ligereza involuntaria en ciertos tramos y encuentros que no aportan nada en una gran escala.

Los personajes van y vienen, soltando datos importantes y dando media vuelta, en un ritmo que se siente poco inspirado pero que sirve para moldear la imagen de un Van Goh que solamente se siente presente a través de anécdotas.

Hay un personaje en particular, que aparece faltando media hora para el final aproximadamente, que además de ser demasiado “exposicional”  (algo en lo que pecan casi todas las figuras de la película) entra en un modo caricaturesco que contrasta con todo lo visto y a mi me sacó de la película. Pero es un detalle menor dentro de una experiencia reconfortante.

LOVING VINCENT  es un experimento poético y nostálgico. Duele de forma intima, como todo el arte bien planteado pero sobre todo deleita. Duele como la obra misma de Vincent, que estaba cargada de esa belleza que viene de lugares oscuros.

Valoración: ★★★

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Crítica: STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI

“Deja que el pasado muera. Mátalo si tienes que hacerlo…”

 

Cuando la luces de la función de medianoche se encendieron luego de dos horas y media, no sabia que decir. Tenia presente la belleza fotográfica de lo que acababa de ver, el trabajo musical de la saga que siempre cumple pero no quería profundizar. Algo no me cuadraba.

STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI es, durante gran parte del metraje, una película muy alejada a lo que se podría esperar luego de EL DESPERTAR DE LA FUERZA y diferente a lo propuesto antes en esta saga. Para bien o para mal.

Las primeras dos horas son un mix de tres “películas”:  lo que uno podría esperar de un director como Rian Johnson (BREAKING BAD, LOOPER), un mal capitulo de STAR WARS: REBELS y la persecución de MAD MAX: FURY ROAD en cámara lenta perpetua.

Lo primero, que corresponde a la visión del director que pudo sobrevivir al corporativismo de Disney, es lo mejor del film. Un ensayo sobre La Fuerza, sobre la figura del Jedi y el legado que tuvo que cargar Luke Skywalker. Johnson no tuvo miedo en coger la idealizada figura del último jedi y convertirlo en lo que, por lógica, debió ser. O sea, un hombre mayor, asustado del poder que puede desatar alguien tan capaz como él y consciente de la religión Jedi trae mucho egoísmo en sus conceptos claves.

En esa misma “cinta”, hay un espacio para profundizar en los dos nuevos protagonistas que son extremos opuestos que van desde el villano que lucha contra la humanidad que le queda y una heroína tentada por lo que no conoce. Aquí se solidifica mi idea de que Kylo Ren es el personaje más interesante-complejo de la nueva generación Star Wars  y que Rey es un mar de posibilidades que se ha trabajado muy rápido y de manera superficial.

La segunda “película” es una trama de búsqueda y rescate con Finn y un nuevo personaje llamado Rose que, si bien aporta al arco final de LOS ÚLTIMOS JEDI, se siente completamente fuera de lugar. Como dije arriba, tiene el feeling de un capitulo de la serie REBELS que intenta ampliar el mundo y la visión del universo pero de forma demasiado artificial, con mucha torpeza. Es interesante ver la realidad de los millonarios en una galaxia que no ha salido de la guerra pero el ritmo y las situaciones obedecen más al lado Disney de la ecuación.

El tercer “film” es una locura que involucra la persecución más lenta de la historia en el que uno no puede dejar de cuestionar las decisiones de los lideres de las flotas de La Primera Orden y La Resistencia.  Esta porción de la película sirve para que hacer crecer a personajes con potencial como Poe Dameron y para introducir a una pieza fundamental de esta entrega como es la Vicealmirante Holdo… pero también para entregar momentos desesperantes e incluso absurdos. Sí, ESA escena con la General Leia que tiene sentido según el canon pero no tiene repercusiones en la cinta.

Todo se une para darle forma a una conclusión que es arriesgada ya que toma la frase “Deja que el pasado muera, mátalo si tienes que hacerlo…” pronunciada por Kylo Ren de forma literal y metafórica. A Rian Johnson no le interesa respetar el lenguaje, las formas y mucho menos a los fans más duros (cof cof cof tóxicos cof cof cof ) que se pasaron años armando teorías absurdas sobre Snoke o Rey. En otras palabras, el director y también guionista quiere alejarse de las limitaciones para hacer un proyecto propio, entre toda la presión de una corporación como Disney.

Adiós a la nostalgia, entonces. Adiós al remake discreto que era EL DESPERTAR DE LA FUERZA, adiós a los tercos que todavía quieren el Universo Expandido de cómics y novelas. Adiós a lo que la gente supone que es Star Wars.

Y si bien valoro muchas de las decisiones tomadas por Johnson, al final no puedo evitar sentirme vacío. Pienso en momentos que son filmados con una gran visión y se convierten en postales inmediatas pero también en las situaciones que se sienten ridículas dentro del contexto. Pienso en los momentos en que duplas como Rey-Luke y Rey-Kylo se ayudaban a crecer mutuamente a base de diálogo  bien planteado pero también me acuerdo de que hay extractos en lo que no sucede absolutamente nada. NADA.

LOS ÚLTIMOS JEDI es el Star Wars para una nueva generación hecha por una nueva generación. Mientras George Lucas tuvo que sufrir para sacar adelante tres ejemplos reales de cine de autor en los setentas, hoy la Guerra de las Galaxias es un producto hecho por un comité siguiendo focus groups en el que, ocasionalmente, hay momentos para brillar.  LOS ÚLTIMOS JEDI es una peligrosa mezcla de aciertos y torpezas que llevan al Lado Oscuro lo que pudo ser la cinta más lograda de la saga.

Valoración: ★★

 

 

 

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