November 22, 2017

Review Category : Críticas

Crítica: THOR: RAGNAROK

“Inicié una revolución pero no hice muchos panfletos así que no vino casi nadie…”

– Korg (parafraseando)

 

La comedia es un género subvalorado y maltratado gracias a malos ejemplos como Adam Sandler y sus amigos.

Hay gente que califica una película como “comedia” intentando minimizarla y esas personas son – y lo digo sin temor a la polémica – analfabetos cinematográficos. Esa es la única razón para explicar el desprecio entre ciertos sectores nerds hacia la nueva aventura de Thor que es, para mí, lo mejor que se podía hacer con esta versión del personaje.

Taiki Waititi coge una de las franquicias más pobres del Universo Cinematográfico de Marvel y crea un “filme de autor”, para bien o para mal. Al fin y al cabo, no había nada que respetar teniendo en cuenta que la primera THOR era una rara mezcla de Shakespeare/Two Broke Girl y la secuela, UN MUNDO OSCURO, era un mal episodio de GAME OF THRONES.

Esa “falta de respeto” es lo que eleva la propuesta de THOR: RAGNAROK, convirtiéndose en una excepción a la regla y en una verdadera parodia del género a diferencia de la exageradamente celebrada DEADPOOL. Nada es sagrado para Waititi: Banner no siempre se convierte en Hulk cuando uno lo espera, Thor no es un ultrapoderoso mesías nórdico y los personajes secundarios queridos por los fans mueren de forma realista, sin pena ni gloria ni posibilidades absurdas de spin offs.

Creo que es necesario destacar que esta película es realmente una comedia y no un sci-fi con chispazos de humor como lo fue en su momento GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL 2. El ritmo humorístico no para en ningún instante y no se trata de chistes mal hilados, es toda una procesión de situaciones conectadas con un humor irreverente y sin pausas dramáticas que no aportan para el relato en gran escala.

Y con todo ese humor que asquea a muchos que se toman demasiado en serio a un género que solamente ha dado dos joyas innegables en los últimos 10 años (THE DARK KNIGHT y LOGAN, obviamente),  este film tiene espacio para proponer temas agrios como la re-escritura de la historia por parte de los ganadores de la guerra o el fenómeno de los refugiados. Y no hablamos de subtexto, la película te muestra estos temas pintados sobre las paredes…literalmente.

Waititi es un comediante y uno realmente virtuoso tras las cámaras. O sea, el director de un mockumental sobre vampiros tiene un mejor manejo de la acción que los directores de dos filmes sobre el Capitán América. No le tiembla la mano al momento de pintar cuadros épicos, crear mundos fantásticos (el holograma gigante del Gran Maestro en medio del planeta es una joya) y luego derretirlos en su humor característico. Todo lo relacionado a Surtur y el Ragnarok prueban mis comentarios.

THOR: RAGNAROK es el punto más alto que un director ha logrado en Marvel Studios, si hablamos de libertad y firma personal. Por otro lado, es la evolución de un estilo establecido por terceros y que es brutalmente honesto al decir, de frente, que no aspira a ser un melodrama nominable al Oscar. Aplaudo eso.

Valoración: ★★★

 

 

 

 

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Crítica teatral: LAS INTERMINABLES PREGUNTAS DE JUANITO Y SU BICICLETA AMARILLA

Llegaba con dudas a la función de  LAS INTERMINABLES PREGUNTAS DE JUANITO Y SU BICICLETA AMARILLA porque son pocos los directores y guionistas con la capacidad de entretener a los niños sin subestimarlos. Peor aún, son menos los teatreros con el talento suficiente para involucrar a padres e hijos al mismo tiempo pero Vanessa Vizcarra – dirección y adaptación – lo logra con tranquilidad.

Vizcarra adapta uno de los cuentos creados por Luigi Valdizán y entiende perfectamente las diferencias entre el ritmo literario y el ritmo teatral. No hay vacíos ni pausas, el escenario siempre está cargado de luz y energía, no existe la ausencia del color.

La directora reconoce que hay una audiencia adulta de forma inevitable – alguien debe llevar a los niños – y nos endulza con un trabajo musical de primera que corre a cargo de Jorge “Awelo” Miranda y el mismísimo Valdizán. Eso va a la par de un trabajo de vestuario y producción artística que es, en pocas palabras, sorprendente… aunque los más pequeños de la casa no apreciarán todo el detalle que se ha dedicado en este trabajo.

Puedo decir que la conclusión no es del todo redonda, quedándose a un par de centímetros de dar en el blanco. Dejando la idea de que estamos ante un capitulo más de un relato extenso y no necesariamente ante una historia con un cierre natural.  Sin embargo, hablamos de una cima satisfactoria, un fin de fiesta circense y que completa la innegable diversión que propone.

Es justo y necesario dedicarle un párrafo aparte a  Laynol Zavaleta, niño protagonista de la función y que se luce en el tema interpretativo pero también demuestra estar a la altura ante la misión de no desentonar al momento de cantar y bailar en vivo. Algo que muchos actores más experimentados no pueden presumir.

LAS INTERMINABLES PREGUNTAS DE JUANITO Y SU BICICLETA AMARILLA es la obra perfecta para introducir a los más pequeños al mundo de las tablas y para que los padres (re)conecten con una curiosidad personal que vamos ocultando en la rutina adulta.

 

Valoración: ★★★

 

SOBRE LA OBRA 

Temporada: Hasta el 03 de diciembre de 2017.

Días de función: sábados y domingos a las 4:00 p.m.

Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.

Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro, y los días de función, en la boletería del teatro.

Entrada general: S/. 40.00

Niños, estudiantes y jubilados: S/. 20.00

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Crítica teatral: CIUDAD CUALQUIERA

CIUDAD CUALQUIERA se presenta como una obra sobre la depresión y esa podría ser una responsabilidad demasiado grande que le juegue en contra. Sin embargo, el director y guionista Renato Fernández muestra un tacto preciso para entregar un exitoso producto que rompe ciertos mitos de forma lúdica e irreverente.

Desde un inicio, la escenografía amarilla y de forma tan poco convencional representa una elección de color poco convencional para el teatro pero que gracias a una iluminación adecuada se convierte en un fotogénico obelisco que rompe la cotidianidad.

Los actores aparecen y comienza un juego tangible entre el elenco pero también con la audiencia. El ritmo es rápido pero no acelerado, coherente con una felicidad y alegría que está pero al mismo tiempo se siente ausente por el tema tan denso que aborda.

Una pareja en la que ambos no extrañaron igual, el profesor más querido de una universidad y un anciano de 25 años son algunos de los singulares individuos que conoceremos, escritos con realismo aunque hay matices más caricaturizados a favor de una aceptación mayor para los espectadores.

Fernández decide que cada miembro del elenco le de vida a más de un personaje e incluso que los intercambien a partir de la segunda mitad y debe ser la idea más inteligente del montaje ya que, desde mi perspectiva y a falta de confirmarlo con el autor, refleja las múltiples representaciones de la tristeza. La soledad y el desengaño no tienen un solo rostro y se ven diferentes dependiendo de la persona.

Y esas personas, en este caso, son actores tan solventes como Marcello Rivera, que siempre muestra un compromiso y una realidad que azota las butacas. Es una sorpresa, por lo menos para mí, el buen rumbo que lleva la carrera de Andrea Luna, intercalando proyectos más comerciales (y seguras, de alguna forma) con apuestas creativas que tienen un subtexto y un sentido mayor.

CIUDAD CUALQUIERA es un golpe de alegría que, como todo, necesita pasar por la tristeza para ser absoluta y vigente. Un ensayo sobre la depresión que es también una crónica sobre el amor en su significado más literario y literal. Una obligación para ustedes.

Valoración: ★★★★

 

SOBRE LA OBRA:

CIUDAD CUALQUIERA se presenta hasta el ​l​unes 20 de noviembre de 2017 en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas están a la venta en Teleticket  y en la boletería del teatro desde 25 soles.

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Lanzamiento del trailer de LOS NUEVOS MUTANTES!

Con ustedes el primer trailer de la nueva película de 20th Century Fox y Marvel LOS NUEVOS MUTANTES, cinta del universo X-MEN que llega a salas nacionales el 12 de abril del próximo año.

Trailer subtitulado:

Trailer doblado:

La película cuenta con las actuaciones de Maisie Williams (Game of Thrones), Anya Taylor-Joy (LA BRUJA, FRAGMENTADO) y Charlie Heaton (Stranger Things).

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Crítica teatral: LAS MUJERES DE LOS NAZIS

Los nazis y la Segunda Guerra Mundial son un tema recurrente en el cine, literatura y teatro pero a pesar de eso es muy raro ver historias que cuenten una perspectiva femenina de esa realidad. Por eso, la puesta en escena de LAS MUJERES DE LOS NAZIS, obra escrita por el argentino Héctor Levy-Daniel, es un placer que debemos destacar.

Daniela Lanzara es la encargada de dirigir un texto cargado de simbolismo y lo hace con soltura, dejando suficiente espacio para que la imaginación del espectador vaya conectando puntos claves. Al respecto, aplaudo que tenga el valor de no entregarle a la audiencia todo mascado y permita que la historia vaya creciendo de manera natural dentro de los presentes.

El uso minimalista de los espacios, escenografía y la iluminación es irreprochable. Una precisión que Lanzara aprovecha para retar a su elenco a nivel interpretativo pero también para abrir la puerta para una narrativa que pone por encima la oralidad antes que la acción de forma inteligente pero sobre todo energética.

A través de tres relatos, nos cuenta tres miradas sobre el nazismo y creo que  la primera historia resulta siendo la más cautivadora y envolvente. Un viaje que involucra un encuentro en un tren que parece no llegar a ningún destino y que te mantiene al borde de la butaca intentando armar un rompecabezas con un clímax que no decepciona.

Las otras historias funcionan con una intensidad similar pero creo que su estructura hace que las conclusiones sean más obvias y las conversaciones posteriores menos profundas. Pero no por eso son menos destacables y aquí recae la responsabilidad en un elenco reducido pero que se desenvuelve satisfactoriamente. Se ven buenos dotes en la dirección de actores por parte de Lanzara y necesito subrayar eso.

Decir que Denise Arregui y Roberto Ruiz están cómodos dentro de sus roles – varios y todos distintos – es una obviedad en la que no quiero caer. Prefiero resaltar la buena labor de Macla Yamada, una actriz que poco a poco ha ido ganándose un espacio en la corriente mainstream del cine y teatro local con papeles versátiles que algunos definen como “complicados” pero que yo me inclino a etiquetar como “necesarios”.

Tanto Denise y Macla cargan con la responsabilidad de ser las mujeres que dan titulo a la obra y lo hacen con personajes complejos, difíciles de procesar y juzgar en un primer momento. La capacidad de Héctor Levy-Daniel en la pluma se ve recompensada con actuaciones potentes.

LAS MUJERES DE LOS NAZIS propone un debate que resulta vigente, con la actitud y talento suficiente para  salir de la zona de confort con solvencia. Una historia diferente y sólida que termina siendo una grata sorpresa.

Valoración: ★★★

 

MÁS INFORMACIÓN:

La temporada va hasta el 01 de noviembre en el Teatro de Cámara del Centro Cultural El Olivar – Calle La República 455 San Isidro.

Entradas en Teleticket y en la boletería del teatro los días de función.

Entrada General: S/. 43.00
Entrada Jubilado: S/. 33.00
Entrada Estudiante: S/. 27.00

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Crítica: BLADE RUNNER 2049 (SPOILERS)

Es extraño encontrar una continuación tan coherente en  una época de secuelas innecesarias, reboots que nadie pidió y remakes que a nadie deberían importarle. Todas las virtudes – enormes y destacables – de BLADE RUNNER 2049 le pertenecen a la tremenda capacidad del director Denis Villeneuve para llenar de relevancia una segunda parte, convirtiéndola en una nueva base de la ciencia ficción moderna.

Creo que la ciencia ficción, como género, debe hacer preguntas y cuestionar la realidad además de proponer mundos fantásticos o distópicos. En ese sentido el film nos hace pensar sobre el sentido de la vida a través de la muerte, las respuestas que tenemos ante la soledad y como considerarnos “seres reales” en una sociedad cada vez más robotizada; en lugar de limitarse a la evolución de los robots como individuos y como “especie”.

Quiero enfocarme en la primera idea mencionada en el párrafo anterior porque sirve para darle pie a uno de los principales valores de esta propuesta: la desmitificación del elegido. K, el personaje de Ryan Gosling, se mueve bajo la idea de ser el salvador, el milagro, un ser excepcional concebido excepcionalmente. Resulta conveniente durante gran parte de la película que este protagonista aleatorio sea aparentemente the chosen one, el hijo Rick Deckard, porque hablamos de una casualidad burda y que reduce mucho el universo de Blade Runner. Cuando finalmente nos revelan que todo ha sido un engaño y que K no es el elegido, estamos ante un golpe en la cara y una bofetada a la trillada fórmula que nos dio en su momento a Luke Skywalker, Harry Potter o Neo.

K descubre que el valor de su vida no viene del nacimiento, su origen y lo que ha logrado. Lo único que da significado es la muerte y lo que podemos hacer antes de que la fatalidad nos encuentre. Una de las tantas ideas y reflexiones que Villeneuve ha sabido forjar dentro de una cinta de presupuesto millonario y que difícilmente será un taquillazo por su duración (casi tres horas) y porque las grandes masas prefieren la repetitiva maquinaria idiotizante que aseguró secuelas de productos como TRANSFORMERS o ANT-MAN.

Otro tema vigente que se toca en BLADE RUNNER 2049 es la discriminación. En este mundo, los replicantes son vistos como máquinas sin ningún valor social o carentes de dignidad como personas… hasta que son capaces de dar vida. La posibilidad de que un replicante se ponga al mismo nivel de un humano con una de sus capacidades características sacude la estructura de este universo porque “si algo puede nacer, tiene alma”.

Algunos dirán que esta reseña esta profundizando demasiado en las ideas y no en otros aspectos pero es inevitable ante un proyecto de Denis Villeneuve, genio – no tengo miedo de usar esta palabra – que antes nos dio un ensayo sobre el lenguaje con LA LLEGADA y una clase maestra sobre la tensión con SICARIO. En BLADE RUNNER 2049 junta ambas bondades en un experimento que se calienta a fuego lento y que usa su duración para crecer con lógica paulatina. Estamos ante una experiencia inteligente y cerebral, algo que la cartelera comercial no nos otorga con regularidad.

Como en sus trabajos anteriores, el director se rodea de gente capaz para regalarnos un entorno soberbio a nivel fotográfico (brillante trabajo de Roger Deakins)  y una banda sonora notable pero que recuerda demasiado y sin mucha gracia a lo hecho por Vangelis en el filme original. Cada encuadre es bello, cada angulo está justificado y cada nota llega en le momento preciso por lo que es obligatorio recibir este regalo en la pantalla más grande que sea posible.

El elenco debe ser un elemento clave en lo bien que gira esta rueda. Desde un Harrison Ford que no disimula que prefiere ser Rick Deckard en lugar de Han Solo hasta un Dave Bautista que, como jugando y con papeles concretos, está haciendo una carrera más interesante que otros ex-luchadores. Creo que Ana de Armas se vuelve una pieza clave ya que nos permite conocer la vida más intima de este mundo futurista con su interpretación de una inteligencia artificial lo suficientemente humana para empatizar con personajes y audiencia.

Aquí aparece uno de los pocos problemas que tengo con BLADE RUNNER 2049. El esfuerzo de Villeneuve por honrar la cinta original hace que su película se sienta como una evolución necesaria de los conceptos pero con una falta del espíritu personal y propio del cineasta canadiense. Su cohesión no es mala pero siento que es notoria la falta de ciertas libertades que el director hubiese podido presumir en un proyecto que no cargara con la etiquete de “secuela de un clásico de culto”.

Algunos dirán que este filme es pretencioso y ostentoso, bostezando porque no hay escenas de pelea filmadas con 20 cortes con una cámara que tiembla. Me atrevo a decir que esas personas están completamente equivocadas pero también debo asumir que estamos ante una experiencia que no es para todos y eso está bien. Uno como espectador no está obligado a verlo todo así como no está en la necesidad de soltar piedras sobre películas que claramente no entiende.

BLADE RUNNER 2049 es un evento demoledor y necesario pero que pasará desapercibido. Una obra maestra que obtendrá su lugar con el paso del tiempo y se valorará mientras más nos acerquemos a la cotidianidad robótica que propone.

Valoración: ★★★★

 

 

 

 

 

 

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Crítica: IT (2017)

El resurgimiento de la fiebre STEPHEN KING llega en un momento clave para el cine y la sociedad. Agradezco que una nueva generación conozca la obra del escritor norteamericano a través de propia pluma y no gracias a refritos basados en la nostalgia cruda como STRANGER THINGS. En ese escenario, el estreno de una cinta bastante sólida como IT es un hecho que debemos subrayar.

Obviamente habrán muchos que verán la cinta del argentino Andy Muschietti y no harán mayor comentario que un vacío e irrelevante “No me dio miedo”. Eso refleja una necesidad por el falso susto pero sobretodo un pésimo gusto forjado con los esperpentos de terror de medio pelo que no buscan otra cosa que hacerte saltar, más no pensar. Y esta nueva adaptación de una de las obras más ambiciosas de King no busca ser un entretenimiento desechable y lo logra, a pesar de ciertos problemas de ritmo que detallaré más adelante.

Necesito enfatizar lo bien que se trata el concepto del miedo, a diferentes niveles y contextos. La escena del niño que es llevado por el “payaso”, el primer golpe emocional del filme, es fuerte sobretodo para los mayores porque vemos la muerte de un menor que podría ser un hijo o un hermano menor. Para otros simplemente será la revelación de un monstruo y esa una idea válida aunque pobre.

El temor no se limita a lo paranormal. Hay mucha consciencia al momento de elaborar el estrés que tienen los niños hacia todo lo relacionado al mundo adulto, las figura de los padres, el bullying y la llegada de la adolescencia; unificando el relato y a los personajes tan diferentes que forman parte de ese grupo llamado Los Perdedores.

Si bien la atmósfera está lograda con maestría, la cinta tiene notorios problemas de ritmo. Hay momentos en el que se siente muy repetitiva la estructura de “niño ve a Pennywise – niños conversan – niño ve a Pennywise – niños conversan“, cediendo a un lenguaje más fácil de digerir. La película pierde mucho, como adaptación, al ser solamente la mitad de una historia más compleja y dejando en el aire detalles que servirán para armar la secuela pero que hubieran dado mayor balance a este relato.

El gran logro  de Muschietti es mover tan bien los hilos de un elenco redondo. Cada uno de los niños se luce y no caen en los clichés antipáticos que se acreditan con regularidad a los menores de edad en el cine más palomitero. La fuerza que imponen Sophia Lillis como Beverly Marsh y Jack Dylan Grazer Eddie Kaspbrak son los puntos más altos de un conjunto que resulta entrañable en su totalidad. Un dato curioso es que, si bien comparte a un actor del elenco de STRANGER THINGS (productos que muchos van a comparar), esta película le da un par de patadas bien puestas en la zona de atrás a esa serie, si es que hablamos de talento interpretativo.

Una mención aparte merece Bill Skarsgård como el mal llamado “payaso”, que nos regala una interpretación limitada al maquillaje y los retoques digitales pero que es lo suficientemente compleja y atractiva para sostenerse, teniendo en cuenta que todo  el background mitológico – místico del personaje se ha guardado para más adelante. El gran mérito del director a través de  Skarsgård  es que Pennywise no parece simplemente un hombre maquillado y es, efectivamente, ESO. Una fuerza, un ente, un ser que no se puede explicar.

IT es un largometraje recomendable pero no creo que sea la gran maravilla que algunos promocionan y obviamente no es la experiencia plana que varios haters gritan sin fundamento alguno. Puedo afirmar sin ninguna duda que es una experiencia superior a la sobrevalorada adaptación noventera a la que muchos le revientan cohetes porque “es mi infancia”, un argumento que no vale nada si hablamos en términos cinematográficos. Aunque seamos honestos, resaltar los logros de la versión del 2017 comparándola con un telefilm es un golpe bajo.

Terminaré con esto: IT es una de las experiencias más creativas e ingeniosas que me ha dado el cine en los últimos meses. Y como alguien que sufre mucho con el cine de terror en las salas oscuras, agradezco que un filme de este género me haya emocionado de forma tan positiva.  Todos flotarán viéndola.

Valoración: ★★★

 

 

 

 

 

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Celebra el Batman Day 2017 en Tierra Uno

Harley Quinn toma por asalto el Batman Day para darle un toque de locura a estas celebraciones en honor al personaje más popular de DC Comics. Y en Tierra Uno nos unimos a las celebraciones para traerle los mejores productos a los fanáticos durante este fin de semana.

La villana convertida en heroína, antigua novia del Joker y una de las protagonistas de la popular cinta Suicide Squad, conmemora sus 25 años de creación y es la estrella del Batman Day, festividad anual que nos recuerda la importancia del Encapotado en la cultura popular.

Como parte de este evento, los días 23 y 24 de septiembre contaremos con descuentos exclusivos en los siguientes productos: todo Salvat (Marvel y DC Comics) a solo S/.40, Comics21 a S/.3.50 en sagas completas,  Phoenix Comix 20%  de descuento, figuras Funko Pop! desde S/.29.90 y muchas más sorpresas con todas tus compras.

Como si esto fuera poco, contaremos con material original, promociones y sorpresas de La Liga de la Justicia gracias a Warner Bros Pictures, como parte de la campaña previa al estreno de la reunión superheroica más esperada por el público.

Los interesados en todas estas actividades pueden visitar Tierra Uno ambos días desde las 9 de la mañana hasta las 10 de la noche, en su local ubicado en el segundo piso del Centro Comercial Arenales, tienda 301, Lince.

 

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Concurso: KINGSMAN: EL CÍRCULO DORADO

KINGSMAN: EL SERVICIO SECRETO nos presentó el mundo de Kingsman – una agencia internacional de inteligencia que, por ser independiente, opera al más alto nivel de discreción y cuyo objetivo principal es mantener al mundo a salvo. En KINGSMAN: EL CÍRCULO DORADO, nuestros héroes se enfrentan a un nuevo reto. Cuando sus oficinas centrales son destruidas y el mundo es tomado como rehén, su viaje los lleva al descubrimiento de una organización espía aliada en los EE.UU. llamada “Statesman”, que se remonta a la época en la que ambas fueron fundadas. En una nueva aventura que pone a prueba al máximo la fuerza e inteligencia de sus agentes, estas dos organizaciones secretas de elite se unen para derrotar a un despiadado enemigo común, y, así, poder salvar al mundo, algo que ha pasado a ser un poco habitual para Eggsy…

20th Century Fox y TOMA-UNO te regalan 2 packs oficiales de la película (poster + flask + iPhone case):

¿Cómo participar?
-Dale “Me gusta” a nuestra página de Facebook (donde también podrás ganar en los concursos solo para fans):

-Responde la pregunta:

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